Jack

Nombre original: Jack

País: Estados Unidos

Dirección: Francis Ford Coppola

Guión: James DeMonaco y Gary Nadeau

Género: Drama

Duración: 113 minutos

Año: 1996

En la película "Jack", vemos que el bullying es parte de la rutina de todo niño en la escuela. El tema se aborda de una manera natural, al mostrar la timidez de Jack (Robin Williams) y la extrañeza de los niños en relación con este "nuevo ser" que se presenta a sus ojos.

En el caso de esta película, el personaje que sufre de acoso escolar es un niño de cinco años que envejece cuatro veces más rápido que los demás. Sin embargo, muchas cosas que suceden con Jack le puede pasar a cualquier niño sano y con un envejecimiento natural.

Y creo sinceramente que la película búsqueda explorar eso. A pesar que es interpretado por un hombre de 45 años, vemos Jack como un niño inseguro y asustado con el mundo a su alrededor, esperando que un alma se lo llevara lejos de su soledad hasta la compañía de un amigo.

No sé si la película realmente hizo la mejor elección al poner Robin Williams para interpretar el papel de Jack. Por un lado, la película se equivoca en las cuentas, porque Jack, un niño de cinco años que envejece cuatro veces más rápido, debería parecer tener veinte años, mientras que Williams es de unos cuarenta años.

Por otro lado, si se hubiera elegido a un actor de veinte años para desempeñar el papel (Giovanni Ribisi es un buen ejemplo), Jack se parecería más a un joven con discapacidad mental que con un niño que envejece más rápido.

Las discrepancias a un lado, Robin trabajó maravillosamente bien, llegando a traducir en el cuerpo de un hombre hecho el espíritu alegre e inocente de un niño. Si alguno de mis profesores de periodismo un día me preguntaren qué quiero ser cuando sea grande (más de lo que crecí, jaja), yo responderé sin dudar: "Quiero ser como Jack".

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Híncame el Diente

Nombre original: Vampires Suck
País: Estados Unidos
Dirección: Jason Friedberg y Aaron Seltzer
Guión: Jason Friedberg y Aaron Seltzer
Género: Comedia
Duración: 77 minutos
Año: 2010

Usted debe estar pensando, "después de escribir sobre Psicosis y Séraphine, cómo ella tuvo el coraje de escribir sobre Híncame el Diente?". Confieso que he recibido algunas críticas cuando escribi un comentario sobre la película El Monstruo del Lago.

Sin embargo, he aprendido en la escuela de periodismo que siempre tenemos que analizar todo lo que es posible para obtener una visión imparcial de las cosas. Debido a esto, creo que del mismo modo que es importante escribir sobre Cantando bajo la lluvia, por ejemplo, también es importante hablar de Híncame el DIente.

A diferencia de muchas películas del género, como "Scary Movie" y "Una Loca Pelicula Epica", "Híncame el Diente" hace una crítica inteligente a las historias contemporáneas sobre vampiros y también sobre otros aspectos de la cultura de la juventud de hoy.

También se hacen críticas de la sociedad actual que busca la juventud sobre todo. Como ha dicho Charlaine Harris, autora de la saga que dio lugar a la serie True Blood, "los vampiros están de moda porque Occidente está obsesionado con la juventud y la belleza eterna".

Además, "Híncame el Diente" critica a los movimientos de cámara utilizado por la directora de Twilight Catherine Hardwicke. Ella tiende al abuso del intercambio de miradas a cámara lenta, algo que, como dice la película, es una cosa "caseosa y obvia que evidencia el deseo".

Por desgracia, en películas como esta, siempre hay grotescos errores de continuidad y los chistes perjudicados de doble sentido, que son divertidos dependiendo de quién asiste.

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Superman - La Película

Nombre Original: Superman - The Movie
País: Estados Unidos
Dirección: Richard Donner

Guión: Mario Puzo, David Newman, Leslie Newman, Robert Benton y Tom Mankiewicz

Género: Ciencia ficción, Aventura

Duración: 143 minutos

Año: 1978

Los primeros minutos de la película son los responsables de contar una breve historia de cómo llegó Superman. Todo comienza en el planeta Krypton y termina en la empresa periodística conocida como Daily Planet, donde Clark Kent conoce a Lois Lane, que más tarde encontra el "otro lado" de su colega de trabajo: el Super-héroe Kal-El.

Mezclando comedia, ciencia ficción, drama policial, el romance y la aventura, todo esto con la rutina interminable y agotadora de los periodistas como telón de fondo, el guión muestra que fué bien hecho, al presentar argumentos que lo apoyan de una manera científica, aunque los hechos son ficticios.

"Superman - La Película" también va más allá del tiempo y el espacio, mostrando un ideal a ser alcanzado por niños y niñas de todas las generaciones. Considero esto como un cuento de hadas que agrada a ambos sexos, porque ¿quién es el hombre que un día no quería ser como Kal-El, y qué mujer no quería ser Lois Lane?

Por otra parte, este superhéroe es bastante similar a Jesucristo, porque su precepto principal es el de sacrificar su vida por el bienestar de los hombres. Otros ideales cristianos también se ven reforzados, como la familia, la amistad y el bien siempre superponiendo el mal.

La película tiene muchas similitudes con "Superman Regresa", la última película del Superman, lanzada en 2006. En ambas películas, Lex y su banda roban un trozo de kryptonita y buscan beneficiarse de dinero mediante la venta de tierras. Lea una parte del guión de la primera película de Superman y la próxima vez que ver la película de 2006, compare:

LEX LUTHOR

Sra. Teschmacher, cuando tenía seis años mi padre me dijo...

EVE TESCHMACHER

Lárgate?

Lex se ríe.

LEX LUTHOR

Antes de eso, dijo, "Hijo, acciones suben y bajan, los servicios públicos y el transporte puede colapsar y la gente vale nada, pero siempre necesitan la tierra y pagarán muy caro para comprarla. Recuerde lo que su padre le dijo: 'Tierra, tierra'"

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Nota: A pesar de las similitudes, el reparto de la primera película sobresale el reparto de la última. Marlon Brando (Jor El), Gene Hackman (Lex Luthor), Margot Kidder (Lois Lane) y el inolvidable Christopher Reeve (Clark Kent) comenzaron esta historia con una llave de oro y sus personajes, aunque sean compatibles con otros actores de Hollywood, pierden parte de su efecto, sin la magia que emana del talento de que este reparto ha.

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La provocación

Nombre Original: Match Point
País: Reino Unido, EE.UU. y Luxemburgo
Dirección: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Género: Drama
Duración: 124 minutos
Año: 2005

Un día, escuché una frase que decía "cuanto más estudias, más suerte tienes". Chris Wilton (Jonathan Rhys Meyers), a pesar de pertenecer a la clase baja de Irlanda, es muy educado y, por lo tanto, perspicaz. Aparte de la suerte, Chris recibió ayuda de su intelecto.

Después de ver la película, observe cómo la actitud de Wilton es meticulosamente pensada, siempre en busca de un bien particular. Cuando le dice a Tom Hewett (Matthew Goode) que no quiere un paseo porque quería ir a una tienda de música para comprar CD de la ópera, Chris sabe muy bien que Tom pertenece a la clase alta y por lo tanto es muy probable que disfruta de la ópera. Decir, entonces, que le gusta este estilo de música sería un posible inicio de la amistad.

Sin embargo, algo que se ha escapado de su sabiduría se Nola Rice (Scarlett Johansson), una mujer segura que sobresale en la alta sociedad de Londres por ser una americana que quiere ser actriz. Chris Wilton se enamora de ella en el momento en que se encuentran, buscando Nola en toda la película, tal vez como un escape de la familia de ricos que ahora él pertenece, y con el tiempo, hace su vida aburrida y claustrofóbica.

La película también utiliza como soporte la teoría estructuralista, que postula que todas las relaciones humanas se llevan a cabo en nombre de un interés propio. Junto a esto, Nietzsche también hace su contribución con la teoría de Superman (o, en el idioma original del filósofo alemán, "Übermensch"), que aparece casi personificada en el personaje de Rhys Meyers.

En "La Provocación", podemos ver claramente un reflejo de los datos del Delito y Castigo de Dostoievski. En esta obra, el escritor ruso habla de Raskolnikov, un pobre joven que tiene gran deseo de no morir antes de hacer algo importante.

Después de luchar con su conciencia, decide matar a una usurera. Al escapar, Raskolnikov mata también a la hermana de la víctima, que aparece inesperadamente en el lugar. El joven también roba algunas joyas, pero al final las enterra debajo de una roca.

La historia de Dostoievski se parece mucho a la película, sin mencionar las dos referencias que hace el largometraje sobre el escritor. La primera ocurre en el minuto 3:52, cuando Chris parece estar leyendo dos libros: Crimen y Castigo y Colección de Cambridge, tanto de Dostoievski.

El otro momento es cuando, en una conversación entre Chloe Hewett (Emily Mortimer) y sus padres, Alec (Brian Cox), el padre de Chloe, dice que hace unos días tuvo una interesante conversación con Wilton sobre Dostoievski.

Además de esta película, Woody Allen también utiliza la influencia del novelista ruso en "Cassandra's Dream" y "Delitos y faltas".

Haga clic aquí para ver la crítica de Cinéma Par Fleur de "La Soga", una película de Alfred Hitchcock, que también utiliza las ideas del novelista antes mencionado.

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El honor de los Prizzi

Nombre Original: Prizzi's Honor

País: Estados Unidos

Dirección: John Huston

Guión: Janet Roach y Richard Condon

Género: Comedia

Duración: 130 minutos

Año: 1985

En una reciente entrevista con la periodista brasileña Marília Gabriela, el humorista Danilo Gentili, también brasileño, dijo que "toda broma tiene un objetivo". En "El Honor de los Prizzi", el "objetivo" son los sicilianos.

Jack Nicholson, a través de leves inclinaciones de cabeza, los diálogos con la boca entreabierta y un acento italiano poco aparente, no se asemejó a un siciliano, pero contribuyó en gran medida a la trama cómica.

Kathleen Turner es también grande. Los sentimientos de su personaje desbordan, dándole un aspecto de rendimiento como interpretaciones exageradas observadas en el teatro, lo que también es muy divertido.

Angelica Huston, a su vez, es una auténtica siciliana a nuestros ojos. El acento es perfecto y sus características físicas, tales como la nariz grande y su cabello largo y negro, dan un lado italiano a su personaje.

Tanto ella como su padre, John Huston, son profesionales únicos en lo que hacen. Además de "El Honor de los Prizzi", John ha dirigido más de 40 películas a lo largo de su vida y también participó en docenas de otras películas como actor, escritor o narrador.

Haga clic aquí para leer una reseña de Cinéma par Fleur de la película "La Batalla de San Pedro" (1945), otra obra del director John Huston.

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Actividad Paranormal

Nombre original: Paranormal Activity

País: Estados Unidos

Dirección: Oren Peli

Guión: No hay

Género: Horror

Duración: 90 minutos

Año: 2009

Recuerdo que cuando esta película se estrenó, yo estaba fascinado por ella. Yo quería estudiar, analizar y aprender los secretos más profundos que llevaron Oren Peli para crear esta obra maestra. Hoy en día, me doy cuenta de que el éxito de la película se debe al hecho de que todo el mundo pensó que era una historia real.

La película se muestra esto. Fadeouts rápidos, en línea con un pequeño reloj en la parte inferior del video, dan la ilusión de que todo lo que realmente sucedió es verdad. Y, ¿sabes qué? La conclusión es que no importa. La idea de la película de hacer una historia la más verdadera posible fué magnífica y merece la reputación que ha recibido.

Felicitaciones a Oren Peli, director novato que superó muchos maestros de cine con un atributo único de comunicación: la publicidad engañosa.

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Zuzu Angel

Nombre original: Zuzu Angel

País: Brasil

Dirección: Sérgio Rezende

Guión: Sérgio Rezende e Marcos Bernstein

Género: Drama

Duración: 100 minutos

Año: 2006

Esta es una de las mejores películas brasileñas que existen. La secuencia de comandos anacrónica funciona muy bien con la fotografía clara y subjetiva, que capta maravillosamente el calor tropical de aquí.

Sin embargo, un error que comete esta película y otras películas brasileñas tienen una tendencia a cometer, es contratar a un gran actor y rodearlo con actores medianos.

Patricia Pilar es una gran actriz, pero ella es afectada profesionalmente cuando se pone a actuar con personas que no pueden hacer eso. Brasil tiene grandes actores jóvenes y viejos. Lo único que falta es ponerlos en el lugar correcto en el tablero o, en último caso, mantenerlos en la caja.

El tema principal de la película es la dictadura militar en Brasil, que durante su vida, trajo efectos negativos en los distintos segmentos de la sociedad, especialmente con respecto a los medios de comunicación.

Como no tenía la libertad para investigar los hechos con más profundidad, el periodismo era un mero portavoz de los militares, transmitiendo sólo la información favorable al régimen dictatorial. Esto se muestra en una pequeña escena de la película, cuando el editor de un periódico se niega a publicar la carta que Zuzu Angel (Patricia Pillar) ha recibido, donde se anunció la muerte de su hijo.

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La Batalla de San Pietro

Nombre Original: The Battle of San Pietro

País: Estados Unidos

Dirección: John Huston

Guión: John Huston

Género: Documental

Duración: 40 minutos

Año: 1945

Como pone de manifiesto en el título, esta película retrata la lucha entre los aliados occidentales y las Potencias del Eje en San Pietro Infine, municipio italiano que se encuentra en la entrada al valle Liri. Esta zona fue muy estratégica, porque la manera más rápida de llegar a Roma era cruzando este lugar.

En la batalla, que sucedió entre 8 y 17 de diciembre de 1943, más de mil soldados estadounidenses perdieron la vida. La película tiene mucho interés en eso, al mostrar cadáveres siendo transportados y enterrados, lápidas siendo hechas por los sobrevivientes y cuando, en los primeros minutos de la película, es mostrada una dedicatoria a los que murieron en la batalla.

"La Batalla de San Pietro" no puede ser analizada como una obra cinematográfica cualquier, porque no utiliza los recursos cinematográficos que todos estamos acostumbrados a utilizar y analizar. Al reunir registros reales, grabados en vivo desde el frente de batalla y en otras ocasiones después de la pelea, "La Batalla de San Pietro" se convierte en un trabajo más documental que fílmico.

Existen desacuerdos sobre él. Los seguidores del realismo no estarían de acuerdo conmigo, mientras que los formalistas me pueden dar algo de apoyo...

Sin embargo, no quiero criticar o defender una de las dos teorías, porque no me gustan extremos. Mientras que la teoría realista está vinculada al sentido de la función social del arte, la teoría formalista intenta conectar con el sentido de la función imaginativa del arte.

Es como si el realismo fuese una prosa y el formalismo una poesía. Entre los dos, prefiero una película basada en hechos reales, capaz de transmitir información precisa, pero con el toque suave de la creatividad humana.

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Séraphine

Nombre original: Séraphine

País: Francia, Bélgica

Dirección: Martin Provost

Guión: Marc Abdelnour y Martin Provost

Género: Drama

Duración: 125 minutos

Año: 2008

La actriz que interpreta a Séraphine (Yolande Moreau) no tiene la belleza de Penélope Cruz, o los Oscars que Meryl Streep tiene, y está muy lejos de tener el carisma de Sandra Bullock. Ella no es delgada y su rostro ya está marcado por el tiempo. Sin embargo, su rendimiento es admirable y encantador.

El silencio, entendido como la ausencia de la música o la falta de palabras, se traduce en esperanza. Los ojos de Séraphine reflejan una inconformidad con su vida, mientras que el sonido del viento que juega con los árboles, el estruendo de muchas aguas y la voz inquieta de las aves muestran la felicidad como el fondo principal de esta historia.

Lo que más me gustó de esta película fué esto. El longa-metraje no se contenta con mostrar la vida de una trabajadora doméstica que amaba la pintura. En realidad, la película termina con el paradigma de que toda la gente pobre es infeliz (cuando se piensa en una criada, se piensa en la felicidad?), al mostrar las conversaciones entre Séraphine y las hermanas de un convento, la ayuda y compañía que se pone de una amiga cercana, el profundo afecto que se desarrolla por un coleccionista de pinturas y las largas horas que pasa por debajo de un árbol, escuchando en silencio a la naturaleza que la rodea.

La pobreza no es sensacionalizada. Esta película muestra un lado de la miseria que algunos cineastas no buscan explorar, tal vez porque ni siquiera creen que existe: los sueños.

En las descripciones de lo que es la pintura, vemos claramente que es un sueño pintado. En la película Wilhelm Uhde (Ulrich Tukur) dice que "una colección [de pinturas] es la interpretación de la formación espiritual de los que lo hicieron. No puede ser dispersada con la impunidad". En otra escena, Séraphine confiesa que "cuando pintamos, nos encanta diferente. Y a menudo veo él [el único amor de su vida] desde el interior o a través de otros rostros. Y... me imagino que si sigo pensando en él, todavía podría pensar en mí".

En mi opinión, todas las formas de arte son formas que encontramos para exteriorizar nuestros sueños y secretos más profundos. Y, aunque no crea que la pintura ha evolucionado a lo largo de los años (para mí, alcanzó su majestude en el Renacimiento), sigue siendo una de las artes más eficaces cuando se trata de la subjetividad. Es, sin duda, el arte más subjetivo que existe.

Nota: En lugar de poner el cartel de la película, he decidido poner un cuadro de Séraphine de Senlis. En él, creo, se encuentra el alma de la película.

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New York - Todas las vidas, mi vida

Nombre original: Synecdoche, New York
País: EE.UU.
Dirección: Charlie Kaufman
Guión: Charlie Kaufman
Género: Drama
Duración: 124 minutos
Año: 2008

He leído algunos comentarios en internet y no entendí por qué los críticos de cine piensan que esta película es tan complicada. El guión es bastante complejo y agotador, pero no hace que la historia sea difícil de seguir.

La película habla de Caden Cotard, un director de teatro que es interpretado por mi tercero actor favorito (Ian McKellen es el primer y el segundo es Anthony Hopkins), Philip Seymour Hoffman. El personaje es visiblemente frustrado con su vida, pero acepta pasivamente los acontecimientos que experimenta.

Después de su esposa Adele (Catherine Keener) decide separarse de él por algún tiempo a viajar a Berlín con su hija, Olive (Sadie Goldstein), Caden busca una forma de recuperar ambas durante toda la película.

Concomitante a esto, Caden trabaja en una obra de teatro, que tendrá como telón de fondo su vida. Para hacer la historia parecer verdad, él fuerza los actores "transformaren" a sí mismos en los personajes, viviendo cada segundo como si fuesen parte de una obra de teatro.

Aunque no es una trama complicada, es muy triste y sombría. El guión explora a fondo todo el dolor en la vida de Caden, por lo que cada vez que un poco de luz de la felicidad parece, algo más grande sofoca la alegría experimentada.

En realidad, yo no recuerdo un solo momento de la película que me sentí feliz de verla. Es tan eficaz en su melancolía que lleva al espectador a sentirse miserable por muchas horas.

Si estás teniendo un mal día y necesita desesperadamente una razón para sonreír, usted no puede ver "New York - Todas las vidas, mi vida". Es un gran incentivo para el suicidio.

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Eduardo Manostijeras

Nombre original: Edward Scissorhands

País: EE.UU.

Dirección: Tim Burton

Guión: Caroline Thompson

Género: Drama

Duración: 105 minutos

Año: 1990

El escritor brasileño Guimarães Rosa, una vez dijo que "lo bello en el mundo es que la gente no está terminada". Tim Burton también dijo esto cuando dirigió "Eduardo Manostijeras". La famosa cita de Edward en el que dice "Yo no estoy terminado" y la escena en la que él y Kim (Winona Ryder) se abrazan, muestran que la imperfección es completada con gestos de amor.

Un viejo inventor quería crear un hombre perfecto. Un caballero. Al principio, lo hizo Eduardo con manos de tijera, para luego sustituirlos por manos humanas. Sin embargo, cuando iba a terminar su gran obra, él murió.

A lo largo de la película, hay una necesidad de crear un sentido para la existencia de Edward. Su notable capacidad para podar los árboles, convirtiéndolos en hermosas esculturas, hizo que todos lo amasen. Más tarde, se pone de manifiesto su capacidad de cortar agradablemente pelo de las mujeres. Por último, se encuentra a sí mismo capaz de despertar la pasión en alguien que usa para ver otra cosa que lo que se ofrecía ante sus ojos.

"Eduardo Manostijeras" es un trabajo único de Tim Burton. La película muestra la belleza que existe en las imperfecciones humanas y los beneficios obtenidos cuando reconocemos nuestras debilidades y cuando sabemos cómo usarlas de la mejor manera posible.

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Escándalo en la Playa

Nombre original: Beach Party

País: EE.UU.
Dirección: William Asher
Guión: Lou Rusoff

Género: Musical

Duración: 101 minutos

Año: 1963

En "Escándalo en la Playa", la diversión es todo. El estereotipo de que todos los adolescentes buscan confusión se descarta en esta película. Todos son buena gente, que tiene todo lo que quieren y con un objetivo principal de pasar un buen rato.

A pesar de ser un musical, "Escándalo en la Playa" tiene canciones que no son demasiado largas y los diálogos no son cantados (no sucede lo mismo en "Moulin Rouge" y algunos musicales de Disney para los adolescentes, por ejemplo), además del hecho de que todas las canciones reflejan el espíritu alegre de la música surf de los años 60.

Jergas de los adolescentes de la época se utilizaron en el guión. El traje se compone de colores brillantes y maravillosas zapatillas, vestidos con pliegues y marcados en la cintura, y el maquillaje es exagerado en mujeres como en hombres. El pelo corto femenino, con una buena dosis de laca para el cabello, también aparece en la película, que muestra la moda más hermosa y única que la historia del mundo ha tenido alguna vez.

A diferencia de otras películas del género, "Escándalo en la Playa" conseguió crear un guión inteligente y utilizar músicas de alto astral, sin crear una historia aburrida o un guión escaso. De todos los musicales que he visto, éste fue el más vivo.

Espero que disfruten tanto como yo.

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Una familia con clase

Nombre original: Easy Virtue

País: Reino Unido
Dirección: Stephan Elliott
Guión: Stephan Elliott y Sheridan Jobbins
Género: Comedia
Duración: 93 minutos
Año: 2008

"Una familia con clase" habla de Larita (Jessica Biel), una mujer divorciada que, después de casarse de nuevo, se reunirá la familia de su marido en el Reino Unido. La recepción no es buena, debido a la descarga de una cultura conservadora con el modernismo de la nueva huésped.

Una buena razón para ver esta película es Colin Firth. Su carácter (Jim Whitaker), un hombre imponente, serio, elegante y encantador, se superpone en el reparto. Jim es un superviviente de la Primera Guerra Mundial, que, al igual que cualquier veterano, lleva las cicatrices dejadas por las muertes que presenció y la culpa por no haber salvado vidas suficiente. Al volver a casa después de la guerra, él se convierte en ajeno a sus familiares. Si pudiéramos comparar esta película con "La lista de Schindler", Colin Firth sería la chica de rojo y todos los demás agentes estarían en blanco y negro.

  

Esto me recuerda el traje. En "Una familia con clase", podemos ver una tendencia de las direcciones de arte actuales de utilizar colores neutros y locales bien iluminados. En esta película, aunque exista un predominio de colores neutros, también existe el uso de tonos oscuros de rojo. La ropa de Larita, aunque refleja la moda de la década de 1920, son los más cercanos a la moda actual de que la ropa de otros personajes, tal vez porque el personaje de Larita es revolucionario en relación con otras personas involucradas en la historia.

De hecho, la película no trata más que eso. Dependiendo de su punto de vista, "Una familia con clase" hace una crítica a favor o en contra de la resistencia que Europa tiene en relación a la influencia que la cultura norteamericana tiende a tener sobre otros países del mundo. En mi opinión, creo que son dos culturas diferentes y no hay necesidad de aculturación, debido a que cada uno en particular tiene mucho que ofrecer. El secreto es que debemos mantener los aspectos comunes de cada país y aprender a exaltar-los de la mejor manera posible.

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