Lo que el viento se llevó

Nombre original: Gone with the Wind

País: Estados Unidos

Dirección: Victor Fleming

Guión: Sidney Howard (adaptado del libro "Gone with the Wind" escrito por Margaret Mitchell)

Género: Romance

Duración: 238 minutos

Año: 1939

En "Lo que el viento se llevó", podemos ver que la película es muy poética. Además de las características evidentes heredadas del teatro (como las largas canciones de apertura y de cierre y un interludio musical en el centro de la película), esta "poesía" puede ser evidenciada también por el análisis de otros dos aspectos del cine.

El primero es la fotografía, que trae la guerra al crear un ambiente violento a través de sus colores oscuros y características especiales (la pantalla verde es un ejemplo). Hay también algunos momentos de "paz interior" de los personajes, casi siempre se transmitiendo a contraluz.

El segundo aspecto es el guión, que es extremadamente nacionalista. Los hombres del sur son muy patriotas (a excepción de Rhett Butler) y el personaje principal, Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), se caracteriza por ser una mujer inmadura que sobrevive a expensas de afecto por parte de otros hombres y tiene un fuerte vínculo con Tara, su lugar de nacimiento.

Analizando la obra de un ángulo completamente subjetivo, creo que tanto el escritor como el director querían que el personaje principal representase a los confederados y Rhett Butler (Clark Gable) simbolizase los Yankees. Aunque hay varias escenas donde se exaltan las similitudes entre los dos personajes, sus acciones siempre culminan en una pelea, lo que demuestra que son incompatibles socialmente y cariñosamente.

El nombre de la película, "Lo que el viento se llevó", no tiene nada que ver con la novela que existe en la trama. El título se refiere, como es mostrado al principio de la película, a una sociedad que desapareció junto con la guerra civil americana. La sociedad, representada por Scalett O'Hara y su tierra Tara, es el antiguo sur esclavizador de los Estados Unidos.

Como una adaptación de una novela, la película ha conseguido su objetivo. Como una película de romance, ella merece ser recordada. Sin embargo, representando la historia de Estados Unidos es que "Lo que el viento se llevó" alcanzó su ápice y se convirtió en todo lo que es hoy.

Esta es, definitivamente, una película obligada para los románticos sin esperanza y amantes de la historia.

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Sabrina

Nombre original: Sabrina

País: Estados Unidos

Dirección: Billy Wilder

Guión: Billy Wilder, Samuel A. Taylor y Ernest Lehman (adaptado de una pieza de teatro llamada "Sabrina Fair", de Samuel Taylor)

Género: Comedia romántica

Duración: 113 minutos

Año: 1954

Si bien considero que Sandra Bullock es la reina de las comedias románticas, debo admitir que Audrey Hepburn nació para actuar en romances.

Aunque ella no sea tan divertida, Hepburn tiene características que la convierten en una "princesa de Disney", como su estatura, sus pies pequeños, su postura perfecta, su gran voz y sus estilos de ropa que valorizan su cuerpo - vestidos sin tirantes que muestran su silueta y sus zapatos bajos con punta ronda.

Su currículum es extenso en las películas románticas, de haber estado en la pantalla grande el cariño de Humphrey Bogart, William Holden, Fred Astaire y Gregory Peck.

Humphrey Bogart (que es el par romántico de Hepburn en "Sabrina"), a su vez, también tiene un perfil exquisito en las películas del género. Sus símbolos (una pistola y un cigarrillo en poder de los dedos índice y medio) lo convirtieron en un hombre atractivo, educado, sabio y omnipotente.

Además de los actores, el mundo parisino también encanta la película. El clásico mundial "La Vie en Rose" llena la narrativa con "cristales de color rosa" y las conversaciones acerca de París nos hacen sentir como si estuviéramos allí.

Un remake de esta película fue hecha en 1995, con Julia Ormond y Harrison Ford. Con pequeños cambios en el guión y en la estructura de la fotografía, la película de los años 90 llega a ser tan buena como la primera, debido a la excelencia del director (Pollack), el excelente desempeño de los artistas y el guión maravilloso, cuyo autor, David Rayfiel, por desgracia, murió este miércoles (22), a los 85 años de edad.

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Tienes Un Email

Nombre original: You've Got Mail

País: Estados Unidos

Dirección: Nora Ephron

Guión: Nora Ephron y Delia Ephron (basado en una pieza de teatro llamada "Parfumerie" de Miklos Laszlo)

Género: Comedia romántica

Duración: 119 minutos

Año: 1998

Grandes películas son realizadas por grandes directores y, después de hablar de Woody Allen y Garry Marshall, quien también merece una mención es Nora Ephron, que hizo grandes películas románticas en los años 90 y hoy continúa dirigiendo romances hermosos.

Como ya he dicho aquí, en Cinéma Par Fleur, me gustan las comedias románticas dirigidas por mujeres, ya que tenemos más paciencia en preocuparse con los detalles de una relación. Nora lo hace perfectamente, sin dejar la película pesada o fatigosa. De hecho, las principales características de esta directora son la ligereza y la simplicidad.

En "Tienes un Email", la historia es bastante original. Dos personas que se odian entre sí en la vida real se aman entre sí a través de Internet. Hoy, esta historia está un poco descontextualizada, ya que en la actualidad podemos ver las caras de la gente e incluso escuchar la voz de alguien cuando estamos en línea.

Sin embargo, en los años 90 (cuando la película fue estrenada), la Internet estaba comenzando a ser popular y la web 2.0 era prácticamente inexistente. La gente podía conversar a través de internet, pero nunca ver a una persona en Internet.

Por un lado, la película muestra el curso de una relación sin ningún interés financiero o en la apariencia física del otro. Por otro lado, la película puede alentar a un espectador para desarrollar relaciones peligrosas a través de Internet. Por lo tanto, cuando ves esta película, no hay que olvidar que a pesar de todo ser bello y maravilloso en la pantalla, las cosas no son así en la vida real.

Otro punto a destacar son los queridos y apasionados Tom Hanks y Meg Ryan, que en ese momento tuvieron mucho éxito actuando en conjunto en romances divertidos. La química entre ellos es tan obvia y natural que no puedo entender por qué hace tanto tiempo ya que no hacen una película juntos.

También me gustó mucho la fotografía. Se ha capturado el alma de Nueva York, una ciudad que, gracias a Nora Ephron, llega a ser tan romántica como la Ciudad de la Luz. Señales del Upper East Side, como Gray's Papaya, Verdi Square y 79th St. Boat Basin, obtenen sus espacios en esta película.

Debido a esta importancia que la directora tiene en mostrar las principales características de su ciudad natal que me gusta decir que "Tienes un email" no es un romance en Nueva York, pero Nueva York en un romance.

Y, crea en lo que digo, en las manos de Nora Ephron, Nueva York es realmente cautivadora.

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Dos extraños amantes

Nombre Original: Annie Hall

País: Estados Unidos

Dirección: Woody Allen

Guión:  Woody Allen y Marshall Brickman

Género: Comedia

Duración: 94 minutos

Año: 1977

Después de hablar acerca de Garry Marshall, yo no podía dejar de citar a Woody Allen en nuestro mes especial dedicado a los novios. Sus comedias ácidas y inteligentes sobre el amor crean un punto de vista único que sólo él nos puede mostrar.

En "Dos extraños amantes", el director nos lleva a un mundo paralelo donde todo el mundo es fan de Freud y recita los pensamientos de Kafka. Los momentos románticos son explicados de una manera científica, con a ayuda de estudios de psicología y pensamientos filosóficos.

Hablando sobre Annie Hall (interpretada por Diane Keaton), su ex novia, Allen también se revela al público al interpretar Alvy Singer, un comediante neurótico y molesto cuya concepción del amor es totalmente anti-romántica.

En "Dos extraños amantes", Woody también crea un informe sobre determinados momentos de la vida cotidiana. Él se pone en nuestro lugar y pasa por varias situaciones embarazosas que nosotros pasamos cuando estamos enamorados de alguien.

Otra cosa que diferencia a esta película de otras del género es que en lugar de haber solamente una parte específica del guión donde hay un pensamiento inteligente sobre el amor y después la película volve pronto a la comedia, "Dos extraños amantes" une la intelectualidad con la sátira, creando una película completa de bromas divertidas y pensamientos brillantes.

Como una persona (se separó de su mujer para casarse con su hija adoptiva), Woody Allen no es admirable, pero como director, él es un genio. Él se sobresale en todas las películas que hace, siempre innovando y sin olvidar nunca de poner algo que nos sorprenda y que hace con que nosotros deseamos ver su trabajo de nuevo.

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De aquí a la eternidad

Nombre original: From Here To Eternity

País: Estados Unidos

Dirección: Fred Zinnemann

Guión: Daniel Taradash (adaptado del romance escribido por James Jones)

Género: Romance

Duración: 118 minutos

Año: 1953

Todo fanático de las películas ha visto el famoso beso con Burt Lancaster y Deborah Kerr en "De aquí a la eternidad". La escena representa el beso más erótico de la historia del cine, más allá del hecho de que la película ha sido elegida por el American Film Institute como una de las "cien películas más románticas" de todos los tiempos.

La escena del beso, en realidad, abarca dos besos. Se comienza encuadrando las olas revueltas del mar en la pantalla, y siguiendo el movimiento de las olas, la cámera vuelve su mirada hacia Karen Holmes (Deborah Kerr), que está acostada arriba de Milton Warden (Burt Lancaster). En full-shot, la cámara muestra los dos se besando, mientras que el agua fluye sobre la arena y cubre parcialmente sus cuerpos. Desde el punto de vista subjetivo, el agua parece ser los segundos que se pasan y los dos se besando representan el amor que sobrevive al tiempo y al espacio de cualquier narrativa audiovisual.

Después de un primer beso, Karen se levanta y corre a un punto más alto de la playa, donde el agua ya no llega a sus pies. Allí ella se acosta sobre una toalla estirada en la arena, mientras que Warden la sigue. Él la mira durante unos segundos, se arrodilla, mira de nuevo y, a continuación, él concluye el momento romántico con el segundo beso, que a su vez es filmado en dos ángulos diferentes.

El primer ángulo, centrándose Holmes y Warden de la diagonal, muestra la mano de él que sujeta el pelo de ella. Él no lleva el anillo de bodas. Luego, la cámara se mueve al segundo ángulo, lo que muestra la espalda de Milton y Karen debajo de él. En este punto de vista, se muestra el mano derecha de ella, que tiene un anillo de bodas. Esto transmite al espectador la sensación de culpa y la idea de que él la ama más que ella ama él. Como la culpa, en las películas, es un sentimiento potencial para iniciar peleas de parejas, los dos comienzan a pelear segundos después del acto romántico.

Algo interesante es que la escena del beso es la única donde se muestra la playa. Las otras escenas tienen lugar en un alojamiento y campo militares, y en otros lugares bulliciosos en Pearl Harbor.

Aparte de esta escena en particular, la película cuenta con muchos clichés utilizados en otras películas de la época y no muestra nada innovador a la industria del cine. No me gustó la actuación de Frank Sinatra y realmente creo que él podría haber contribuido más si hubiera pasado toda la película cantando - algo que hace en ningún momento del largometraje.

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Casablanca

Nombre original: Casablanca

País: Estados Unidos

Dirección: Michael Curtiz

Guión: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein y Howard Koch (una adaptación de la obra "Everybody Comes to Rick's" de Murray Burnett y Joan Alison)

Género: Romance

Duración: 108 minutos

Año: 1942

Las personas mueren, las ciudades están siendo destruidas... Pero aún así, todavía no se ha encontrado un mejor contexto para historias románticas que una guerra. El escenario de las guerras mundiales trae incertidumbre, el miedo y la soledad, los sentimientos que mejoran el romance entre una pareja en el amor. Y no fue diferente con Rick e Ilsa, la pareja más romántica de la historia del cine.

Seguiendo una historia que ahora es ampliamente imitada por muchos cineastas, Rick Blaine (Humphrey Bogart) demuestra ser un hombre muy seductor que no busca un amor que dure más que una noche. Esto se debe a que, hace mucho tiempo, una mujer llamada Ilsa Lund (Ingrid Bergman) le ha herido profundamente y ahora Rick trata de juntar los pedazos de su corazón roto, buscando en otras mujeres lo que él sólo tenía con ella. Cliché, lo sé. Pero que siempre funciona.

Algo que también marca la película es la canción "As Time Goes By". Parece que ha sido hecha precisamente por esta película (a pesar de que fue escrita once años antes). La letra nostálgica y una melodía con influencias del jazz traducen el mensaje que el largometraje trata de pasar sobre cómo las cosas son efímeras y también la lucha entre Francia (junto con los Aliados) y Alemania (y los demás países del Eje) - el Jazz traduce eso porque es un tono que combina las influencias africanas y europeas y la mayoría de sus intérpretes eran negros, lo que transformó él en un estilo de música odiado por los alemanes y amado por la mayoría del Occidente.

Tampoco podemos olvidar la parte del guión en que Rick le dice a Ilsa, "Siempre nos quedará París". Esta frase contiene una pasión para iniciar una memoria, como dice la canción "As Time Goes By" de Herman Hupfeld.

Por curiosidad, Casablanca realmente existe. Es una ciudad que se encuentra en Marruecos, una ex colonia francesa. En la Segunda Guerra Mundial, era un punto estratégico donde algunas personas se habían refugiado del régimen nazi. En cuanto a Rick e Ilsa, ellos también existen. Pero sólo en nuestra memoria y en lo mucho que creemos que el amor realmente puede cruzar el tiempo y el espacio de una guerra cruel e inolvidable.

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Jules y Jim

Nombre original: Jules et Jim
País: Francia
Dirección: François Truffaut
Guión: François Truffaut, Jean Gruault (Basado en la novela de Henri-Pierre Roché)

Género: Romance

Duración: 105 minutos

Año: 1962

El trailer dice: "Una historia de amor. Una historia sobre la amistad. Una historia de amor sobre la amistad". Si esto es cierto, entonces es justo decir que la visión de François Truffaut del amor es bastante limitada, poco fiable y abierta a diversas interpretaciones. Voy a tratar, entonces, para analizar la película bajo mi también limitado y dudoso punto de vista.

Jules y Jim, a diferencia de lo que algunos pueden imaginar, son los nombres de dos amigos, no de una pareja. Jim (Henri Serre) es un hombre seguro, serio y consciente del dominio que tiene sobre las mujeres. Él tiene una vieja pasión - que se parece más a un capricho - llamada Gilberte (Vanna Urbino), una mujer frágil y dependente.

Jules (Oscar Werner), por el contrario, es un hombre romántico, pero que tiene ningún atractivo que hace con que las mujeres deseen él de la forma en que ellas desean Jim. Su incapacidad para encontrar un amor que lo guía lo hace más próximo a su amigo, que con el paso de los años se torna en un fiel compañero suyo.

Incluso con esta amistad entre los seres incompatibles, que es muy interesante para crear diferentes guiones y películas, el tema se desarrolla en menos de cinco minutos y después se coloca en el fondo de una historia de amor que es más molesta que cautivante.

Esto sucede debido a Catherine (Jeanne Moreau), una heroína que no tiene rienda suelta a la hora de crear intrigas y celos al hombre que ama, además de tener extrema insatisfacción con su vida. Su relación con Jules y Jim termina como una relación de ella con ella misma, porque sólo responde a sus propios caprichos y placeres. Jules también llega a ser molesto. Él pierde su personalidad para ser una sombra de una mujer que siempre ha sido encontrada en pedazos.

La película sigue la fórmula mágica de Hollywood (click aquí para saber más) mediante la inserción de un personaje divertido y diferente de los demás (Thérèse, interpretada por Marie Dubois), un galán que no transmite humor (Jim), una familia excéntrica (compuesta por Jules, Catherine, su hija y Jim) y el triángulo amoroso de Jules, Jim y Catherine.

Truffaut, en su película, también incorpora influencias de Baudelaire, Oscar Wilde, Goethe y la Belle Époque, por lo que su película una digna representante de la Nouvelle Vague de los años sesenta.

El amor es el aire que respira el cinéfilo

Digo esto con certeza. Un profesor me dijo una vez que de todas las clases de amor, como el amor de una madre, un hermano o un amigo, el único que podemos vivir sin es la pasión. Sin embargo, esta es la única que no renunciamos. Y es en este mismo modo en que Hollywood trabaja, llenando los vacíos que, sin la presencia de una pareja romántica, probablemente la película iba a ir a la quiebra debido a la falta de identificación con el espectador.

Lo que quiero decir es que en la mayoría de las películas que vemos siempre hay en ellas el romance. Incluso en las películas de terror hay parejas. Asustados, a veces separados, pero que ayudan a la narración por el romanticismo que existe entre ellos. Y lo mismo sucede en las comedias, dramas, musicales, aventuras, historias de acción y suspense... En la actualidad, incluso en películas para niños, que a menudo se centran más en la importancia de la amistad, podemos ver reflejos de la pasión pre-adolescente ingenua y sutil.

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Corazones de hombres

Nombre original: Männerherzen
País: Alemania
Dirección: Simon Verhoeven
Guión: Simon Verhoeven
Género: Comedia romántica
Duración: 107 minutos
Año: 2009

"Corazones de hombres" habla de seis muchachos con problemas particulares. Uno de ellos es Jerónimo Ades (Til Schweiger), un soltero que odia los compromisos. Él tiene que soportar Justus von Dohnányi (Bruce Berger), un cantante que escribe canciones sin posibilidades de éxito y canta mal, además de ser extremadamente carente.

Mientras que Jerónimo trata de lograr esta difícil tarea, Günther Stobanski (Christian Ulmen) quiere una mujer cuyo ex marido, Roland Feldberg (Wotan Wilke Möhring), es muy celoso y no puede soportar ver a la mujer que aún ama con otro.

Ronald hace actividades físicas en el mismo gimnasio de Felipe Henrion (Maxim Mehmet), un joven que embarazó a una mujer que apenas conoce. Él tiene un amigo, Niklas Michalke (Florian David Fitz), que tendrá que decidir si o no a traicionar a su futura esposa con una mujer que conoció en el gimnasio.

Todo esto sucede con el sonido de una banda sonora pegadiza. "If You'll Be Mine ", de Baybird, tiene un grande beat electrónico y "Watch and Wait", de James Morrison, aumenta el romance con su estilo melodramático y próximo al folk.

El rock alternativo de Gary Go, con la canción "Wonderful", junto con "Don't wanna feel this way", de Marshmellow Club, crea un ambiente de alegría a la película y le da esa sensación de "final feliz" que todos siempre esperamos.

La fotografía sigue la tendencia actual de utilizar lugares claros sin demasiados objetos en la escena. Los puntos elegidos para la filmación también deben ser elogiados, porque ellos son realmente hermosos y reflejan la arquitectura occidental de nuestro tiempo.

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Frankie & Johnny

Nombre original: Frankie & Johnny

País: Estados Unidos

Dirección: Garry Marshall

Guión: Terrence McNally

Género: Comedia romántica

Duración: 118 minutos

Año: 1991

No podría haber un mes dedicado a las comedias románticas, sin un énfasis en Garry Marshall. El ha dirigido películas de éxito como "Mujer Bonita", "Novia a la fuga" y "Princesa por sorpresa", lo que demuestra su brillantez en el diseño de las obras que revelan talentosos actores, bellos guiones y un equipo que es especializada en mostrar las mejores cosas del mundo: la comedia y el romance.

"Frankie & Johnny" habla de una mesera muy infeliz con su vida. Ella exterioriza eso abiertamente, lo que no viene como algo excesivo (como "Un sueño posible", por ejemplo). Al mismo tiempo, es mostrado un hombre que acababa de ser liberado de la prisión. Él está solo y es consciente de su infelicidad, sino que utiliza sus habilidades y buen humor para no demuestrar eso.

Este contraste de aceptación de la tristeza con el escape de la misma hace con que Johnny (Al Pacino) se enamore de Frankie (Michelle Pfeiffer) y, a partir de entonces, los dos pasan mucho tiempo juntos escuchando la conocida canción "Clair de Lune" de Claude Debussy.

Algo interesante es que incluso que Al Pacino no parezca, a primera vista, haber nacido para actuar en comedias románticas, en esta película percibimos su sex appeal detrás de su voz áspera y arrugas ya evidentes. Como gran profesional que es, Al Pacino nos hace olvidar de Michael Corleone y Scarface. En esta película, sólo vemos Johnny.

Algo valioso en "Frankie & Johnny" es el compromiso con la realidad. Hoy, incluso una película que aborda la pobreza presenta a los actores con la piel perfecta y ropa limpia y ajustada a las medidas de su cuerpo. Marshall, sin embargo, presenta un romance realista, con Michelle Pfeiffer usando un corte de cabello simple con el pelo muy seco. El maquillaje se utiliza poco y las huellas de su delgadez revelan el mal estado de su carácter. Sus ropas son amplias y similares, mostrando su rutina aburrida y exhaustiva.

Otra cosa que esta película explora es el voyeurismo. Parece que cada vez que Frankie se pone delante de su ventana para observar algunas vidas, se da cuenta de que ellas dialogan con su existencia a través del mismo tono de melancolía que existe en todas. Al mismo tiempo, Frankie ve un espejo que es, de hecho, sólo una imagen distante de lo que realmente quería ser.

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Mientras Dormías

Nombre original: While You Were Sleeping

País: Estados Unidos

Dirección: Jon Turteltaub

Guión: Daniel G. Sullivan y Fredric LeBow

Género: Comedia romántica

Duración: 103 minutos

Año: 1995

En Brasil, Junio es un mes dedicado a los amantes. Esta tradición se debe a que el 13 de junio es el día de San Antonio, conocido por los brasileños como el "santo casamentero". Como una forma de honrar a todos los novios en Brasil y en todo el mundo, voy a hacer un especial de este mes sólo con películas de romance.

Para empezar, tuve que hablar de mi película favorita, "Mientras Dormías". Este largometraje tiene la receta mágica que Hollywood ha descubierto hace años y sigue utilizando en las comedias románticas más exitosas de su historia.

Esta fórmula consiste en: un personaje divertido que se destaca por no tener similitudes con otros en la parcela (en el caso de "Mientras dormías", este personaje es Joe Fusco Jr. (Michael Rispoli)), un hombre hermoso y serio (en esta película es Jack Callaghan (Bill Pullman)), una excéntrica familia (los Callaghan) y, por último, un complicado triángulo amoroso (Jack, Lucy (Bullock) y Peter (Gallagher)) que dificulta la relación entre los protagonistas.

En "Mientras dormías", esta receta se mantuvo por Sandra Bullock, la reina de las comedias románticas. Ella es divertida, con características comunes y siempre se refleja en historias de amor como una mujer sola, sin familia, con pocos amigos, pero satisfecha con su vida.

A pesar de ser mi película favorita, debo admitir que Bill Pullman se carga en la parte posterior para todos los otros artistas. No es que él es un mal actor, es que simplemente no fue hecho para hacer películas románticas, de la misma manera que Jim Carey no fue hecho para hacer películas de terror y Johnny Depp hecho para hacer películas con Angelina Jolie.

Sin embargo, el filme funciona muy bien con esta historia de "amor a segunda vista", que me parece ser algo muy interesante y mejor que la leyenda del príncipe azul. No podemos saber a alguien a primera vista, y debido a eso el amor es imposible que suceda tan rápido.

Mostrando la evolución del sentimiento romántico hace que la película sea más realista y atractiva, aumentando la tensión en la trama y las expectativas de lo que sucederá en el acto final, a pesar de que sabemos desde el principio de la película que los dos van a estar juntos y felices para siempre.

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