Oficial y Caballero

Nombre original: An Officer and a Gentleman

País: Estados Unidos

Dirección: Taylor Hackford

Guión: John Vogel

Género: Romance

Duración: 126 minutos

Año: 1982

A principios de "Oficial y Caballero", algunos "flashbacks" se utilizan para mostrar el pasado de Zack Mayo (Richard Gere), el personaje principal en la película. No me gustan "flashbacks", porque a veces confunden al público o hacen la historia aburrida. En "El Libro Del Guión", Syd Field dice que "[flashback] es también una técnica obsoleta desde varios puntos de vista. Tony Bill, el productor/director/actor, dice, 'Cuando veo a un flashback en un guión, yo sé que la historia tiene problemas. Es un recurso fácil para el escritor novato. (...) Esto "envejece" la película de inmediato."

Sin embargo, sólo aparecen "flashbacks" en el principio del script, más concretamente, en las primeras cinco o diez páginas. Después de los primeros minutos, la película sigue su relato en orden cronológico.

"Oficial y Caballero" habla de Zack Mayo, un joven de 20 y tantos años, que, debido a una infancia difícil, tiene problemas para confiar en las personas. Sin rumbo, Mayo decide participar en la formación de Marina de los EE.UU. para convertirse en un piloto de caza. A medida que pasa el tiempo, Zack, en medio de una formación exhaustiva, encontra amigos que nunca tuvo, un padre que nunca conoció, y una pasión que cambiará por completo su visión del mundo.

Aunque no explícitamente habla de la guerra, este estilo de película es similar a otros corriendo en los años 80, un período que termina la etapa de las guerras mundiales y comenza un período histórico marcado por la diplomacia y la solución pacífica entre los países. "Top Gun" (1986, Tony Scott), "Birdy" (1984, Alan Parker) y "Pelotón" (1986, Oliver Stone) son ejemplos de películas que, como "Oficial y caballero", son reflejos de una sociedad americana traumatizada por los efectos de la guerra de Vietnam, pero confíante en que algún día podrían superar la tragedia sufrida.

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El Monstruo del Lago

Nombre original: Eye of The Beast

País: Estados Unidos

Dirección: Gary Yates

Guión: Mark Mullin

Género: Terror

Duración: 86 minutos

Año: 2007

Para una película del siglo 21, los efectos especiales de "El Monstruo del Lago" son terribles. El "ojo" de la bestia, a la que el título original se refiere, se parece más a los ojos de un oso de peluche que los ojos de un monstruo marino. Los tentáculos del calamar gigante (la "bestia") parecen ser de goma, pero todavía me duele la gente, e incluso rasga brutalmente el rostro de un personaje. Y, además, la "sangre" que sale del calamar no debería ser de color rojo, ya que este animal pertenece a la clase de los cefalópodos, y, por lo tanto, tiene sangre azul.

Hay, en "El Monstruo del Lago", la falta de sincronización perfecta entre el intercambio de escenas. Cuando los personajes dejan de hablar, la cámara enfoca el rostro de un personaje por más tiempo de lo necesario, de forma similar a las presentaciones de las noticias de televisión, en los que los periodistas, a veces, tienen que permanecer por algún tiempo mirando a la cámara, sonriendo o graves, esperando por el comercial, lo que hace la escena graciosa en algunos casos.

En cuanto a los actores, a veces parecen rehuir de las cámaras. Si la cámara se centra en la izquierda de uno personaje, por ejemplo, él vuelve la cara a la derecha, y viceversa. Cuando hablan, es como si estuvieran leyendo algo en un teleprompter.

Sin embargo, aun con todos estos defectos, debemos entender que las películas son cada vez más caras, y por lo tanto el número de personas que realmente tienen recursos para crear piezas dignas de Hollywood disminuye más y más. Cada año, se producen entre ochenta y noventa largometrajes independientes. La secuencia de comandos, el primer paso de una película, ahora cuesta un mínimo de 11.211 (para una película de bajo presupuesto) y 20.821 (para una película de alto presupuesto), de acuerdo con la lista de precios de la WGA (Writers Guild of America). Y, además de eso, "El Monstruo del Lago" fue hecha para la televisión, otro factor que explica la baja calidad de la película.

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El cisne negro

Nombre original: Black Swan

País: Estados Unidos

Dirección: Darren Aronofsky

Guión: Mark Heyman, Andrés Heinz e John McLaughlin

Género: Drama

Duración: 108 minutos

Año: 2010

Nunca he visto una película de Natalie Portman en la que interpretaba a alguien como la bailarina Nina, su personaje en "El Cisne Negro". A pesar de que ha hecho papeles destacables en "Cegados por el deseo" (Mike Nichols, 2004) y "Las hermanas Bolena" (Justin Chadwick, 2008), ella nunca ha hecho escenas polémicas como las de la película de Darren Aronofsky.

Natalie Portman, sin duda, merece el Oscar que recibió. Creo que debe ser muy difícil de interpretar a una persona loca. Tienes que cambiar constantemente las características del personaje y evolucionar él, para que la narración no se estanque o se torne tiresome con su complicada situación psicológica.

Al mismo tiempo, personajes tan reprimidas y que se están descubriendo tan tarde, con 28 años de edad (como la bailarina Nina), no pueden ser interpretadas por actrices que no pueden actuar y aún así complacer al público. Para tener un buen desempeño, ellas deben tener alguna experiencia de actuación, lo que ayuda a sostener la complejidad de la trama.

Pero es lógico que Portman no hizo todo el trabajo sola. El resto del reparto también ayudaron, como Vincent Cassel (que interpreta a Leroy Thomas), que siempre actúa muy bien, y la sorprendente realización de Mila Kunis, que finalmente se liberó de los papeles que siempre se refleja su paso en "Aquellos maravillosos 70" (donde interpretó a Jackie Burkhart).

La fotografía también es asombrosa. La forma como la cámara "danza" junto con Portman en algunas escenas es maravillosa. Realmente podemos sentir la pasión de Nina por la danza y el valor que ella da a esta arte.

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Cantando Bajo la Lluvia

Nombre original: Singin' in the Rain

País: Estados Unidos

Dirección: Gene Kelly y Stanley Donen

Guión: Scott Neustandter y Michael H. Weber

Género: Musical

Duración: 103 minutos

Año: 1952

"Cantando bajo la lluvia" cuenta la historia de un famoso actor de cine, Don Lockwood (Gene Kelly), que se encuentra perdido en la transición del cine mudo al cine sonoro.

Con un guión corto, la película presenta las opiniones a favor y en contra de las películas mudas. Cuando se muestra un video corto, donde un hombre habla mientras el sonido de su voz está en perfecta sincronía con el movimiento de la imagen, la reacción del público es entre aquellos que consideran que la película es vulga, y otros que piensan que esto es una revolución en el cine.

Más tarde, en el estreno de "The Dueling Cavalier", primera película sonora de Lockwood, la respuesta del público es de risas y duras críticas, porque el sonido no estaba sincronizado con la imagen, la voz de la actriz que interpreta a Don, Lina Lamont (Jean Hagen), era muy delgada, el guión era pobre...

Faltando seis semanas para el estreno de la película en todo el país, Don decide que la única manera de mejorar la película es la inserción de algunos números musicales entre escenas, convirtiéndola en un musical.

Todos los números musicales de "Cantando bajo la lluvia" son muy largos, lo que hace la película al igual que una obra de teatro. Si quieres ir a Broadway, pero no hay manera que usted puede hacer eso, esta película seguramente traerá Broadway para usted.

Una pincelada en las teorías del cine

Las primeras teorías sobre el cine dicen que esta arte había llegado a su ápice con la película muda, porque el cine podría hacer uso de su papel como arte. Hugo Münsterberg (1863-1916), psicólogo gestáltico y filósofo, sostuvo la permanencia de la película sin sonido, porque "[color y sonido] son avances técnicos que no activan un nuevo nivel mental. (...) La tecnología de 1915 ha alcanzado la forma ideal para dar forma a las mayores obras maestras del cine, siendo capaces de mejorar nuestras vidas y por lo tanto plenamente el cumplimiento de los objetivos del arte" (Andrew, J. Dudley. The Major Film Theories - An Introduction, New York, Oxford University Press, Inc., 1976).

Rudolf Arnheim (1904-2007), psicólogo del comportamiento, tuvo un pensamiento similar a la de Munsterberg. "El cine mudo de la década de 1920 fue, para él [Arnheim], el punto culminante de la historia del cine. Después de 20 años de experiencia, los cineastas habían localizado las peculiaridades del vehículo y establecieran una forma narrativa capaz de unir a los fines más diversos. Con la llegada del sonido, esta forma fue expulsada. En lugar de un sistema muy flexible de signos físicos, directores dieron a la audiencia una mirada de realismo total" (Andrew, J. Dudley. The Major Film Theories - An Introduction, New York, Oxford University Press, Inc., 1976).

Con el tiempo, otros estudiosos llegaron, defendiendo el uso del sonido y el color, como André Bazin (1918-1958) y Siegfried Kracauer (1.889-1966).

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Psicosis

Nombre original: Psycho

País: Estados Unidos

Director: Alfred Hitchcock

Guión: Joseph Stefano

Género: Thriller

Duración: 110 minutos

Año: 1960

¿Hay algún director de cine que es loco para matar al personaje principal de la mitad de la película? Hitchcock fue. Él revolucionó todos los clichés de la época y de hoy también.

Sus largometrajes son completamente impredecibles. Como se mencionó anteriormente, el personaje principal es asesinado mitad de la película, al 55 minutos, en la famosa escena de la ducha.

Esto se consideraría una cosa imposible de hacer por muchos cineastas, pero Hitchcock lo hizo, y todavía fue capaz de mantener el espectador durante más 55 minutos, a "cambiar" el personaje principal y a llevar la conspiración para un camino que nadie podía imaginar que existe.

Hitchcock tiene una característica marcada de prestar mucha atención a los objetos en la narrativa audiovisual. En "Psicosis", el uso constante de primeros planos muestra este interés del director, que más tarde se pone de manifiesto la importancia de los objetos filmados.

Diálogos largos pueden parecer, al principio, aburridos sin una banda sonora que ayuda y sostiene nuestro interés en lo que sucede. Hitchcock, sin embargo, hace uso del diálogo amplio sin música, y todavía mantiene el espectador a través de la excelente actuación de los actores y el guión bien escrito.

"Psicosis" es un bueno ejemplo de una película para ser estudiada por estudiantes de cine y otros amantes del cine. Muchas de las funciones de los thrillers actuales se pueden encontrar en este largometraje de Hitchcock, lo cual es sorprendente en la originalidad y el contenido.

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500 Días con Ella

Nombre original: 500 Days of Summer

País: Estados Unidos

Director: Marc Webb

Guión: Scott Neustandter y Michael H. Weber

Género: Romance

Duración: 95 minutos

Año: 2009

El cine, como cualquier otra arte, se desarolla junto con la sociedad. Hoy vemos una revolución de mujeres independientes, hombres que no quieren compromiso, muchos casos de divorcio después de solo seis meses de matrimonio y noviazgos de diez años que probablemente nunca terminan en una boda placentera.

La sociedad contemporánea está viviendo un momento de total inseguridad con respecto a los demás. Nada es suficientemente bueno que usted pueda confiar plenamente, o suficientemente seguro para usted creer que durará.

Hoy, películas como "500 Días con Ellla" muestran que el cine también ha reconocido el cambio social y ahora está tratando de "arreglar" el problema que causó, al inculcar en las mentes de mucha gente que podría haber una relación sin problemas a enfrentar y diferencias a superar.

Summer Finn (Zooey Deschanel) es una mujer que no cree en el alma gemela o un amor que dura para siempre. Debido a la separación de sus padres cuando era apenas una niña, Summer se ve incapaz de construir una relación duradera. Por otro lado, Tom Hansen (Joseph Gordon-Levitt) es un romántico sin esperanza, que cree en el amor por encima de todo.

Creo que se puede imaginar lo que sucede cuando los dos deciden reunirse. Ella, naturalmente, termina con él, mientras que Tom está ahora tratando de recordar lo que pasó para que ella terminase la relación.

Todo está planeado para que el espectador entienda que la cosa más normal del mundo es terminar una relación. Y, después de recordar el tiempo que estuvieron juntos, empezar todo de nuevo.

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Come, Reza, Ama

Nombre original: Eat, Pray, Love
País: Estados Unidos
Director: Ryan Murphy
Guión: Ryan Murphy y Jennifer S alt
Género: Romance
Duración: 140 minutos
Año: 2010

"Come, Reza, Ama" es, ante todo, una obra visual. Yo sé que ver una película subtitulada ayuda a preservar la calidad del sonido, lo que disminuye con la doblaje, pero es una pena perder tanto tiempo leyendo cuando hay tantos detalles visuales que pueden ser observados.

A pesar de ser una adaptación de una autobiografía, la historia se desvanece en medio de los bellos paisajes de Italia y los rituales religiosos hindúes. Ryan Murphy, director del film, dio más atención a la dirección de arte, lo que hizo que las cosas más importantes en la película sean los lugares por donde Liz (el personaje principal interpretada por Julia Roberts) pasa, en vez de hablar sobre su maduración espiritual y emocional.

En Italia, hay más atención a la cultura local y a la cocina italiana. En la India, Liz es olvidada, para que la película pueda mostrar el ashram, el modo en que funciona, las personas que se desplazan a través de él, la cultura basada en el silencio... Los únicos puntos de la película en que el aspecto subjetivo del carácter aparecen en realidad son en Nueva York, donde LLiz presenta sus dramas personales y los problemas a resolver, y Bali, donde ella encuentra el equilibrio personal y el amor siempre han querido.

Si quieres ver una película donde se puede admirar y aprender sobre diferentes culturas y bellos lugares, le encantará ver "Come, Reza, Ama". Sin embargo, si usted quiere ver este film porque Julia Roberts es la actriz principal y Javier Bardem es el galán, es mejor elegir algo más que ver en la noche del sábado. Javier Bardem aparece sólo en el último tramo de la película, mientras que Julia Roberts se queda con un rendimiento promedio en todo el film.

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Jovenes Ocultos

Nombre original: The Lost Boys

País: Estados Unidos

Director: Joel Schumacher

Guión: Jeffrey Boam, Janice Fischer y James Jeremias

Género: Horror

Duración: 98 minutos

Año: 1987

Vampiros. Si hay algo concreto que sabemos sobre ellos es que son claves para las historias exitosas hechas para jóvenes.

En esta película, ser un vampiro es como ser un joven que vive una vida perfecta: dormir todo el día, despiertar sólo para ir a fiestas y vivir para siempre, sin arrugas y otros signos de envejecimiento.

Esto combina perfectamente con el contexto histórico en que se puso en marcha la obra. El vestuario de la película es típica de los años 80, con las chaquetas de cuero, hombreras y pelo de estilo "mullet". Toda esta estética "new wave" está aliada con "la generación de la salud" de la época, con el culto del cuerpo y la búsqueda de la eterna juventud.

La banda sonora de "Jovenes Ocultos" también anotó los aõs 80, con el éxito de Elton John, "Don't Let The Sun Ir Down On Me" y "Good Times", de George Young y Harry Vanda.

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La Soga

Nombre original: Rope
País: Estados Unidos
Director: Alfred Hitchcock
Guión: Hume Cronyn y Arthur Laurents
Género: Suspenso
Duración: 80 minutos
Año: 1948

Recuerdo haber visto una película de suspenso donde el personaje principal (Morgan Freeman), cuando encontró una pista en la escena del crimen, dijo que el asesino había cometido su segundo error. Su colega le pregunta lo que fue el primero. Freeman dice, "haber cometido un asesinato".




La Soga, de Alfred Hitchcock, es una lista de todos los "segundos" errores después de cometer un delito. Brandon Shaw (John Dall) había planeado meticulosamente el asesinato de David Kentley (Dick Hogan), con el único objetivo de sentir como es, de hecho, matar a nadie.




Después del delito, con la ayuda de su novio, Phillip Morgan (Farley Granger), puso el cadáver en un arcón de los libros, y después los dos prepararon para una fiesta que iba a suceder.




Curiosamente, David fue también uno de los invitados, y, en la medida que las personas llegaban, preguntaban por David, lo que hace la trama más tensa a cada escena.

Es como un libro de Agatha Christie. Rupert Cadell (James Stewart) es una cifra similar a Hércules Poirot, un detective belga que observa en silencio todo y a todos. Brandon, a su vez, toma el lugar del asesino, que nadie sospecha, porque él tiene cuidado en sus palabras y manipulación en sus acciones. La única diferencia entre los libros de Christie y el cine de Hitchcock es que, en la película, conocemos desde el principio quién es el verdadero asesino.

El guión es muy filosófico. El autor analiza el concepto de seres superiores e inferiores, donde la parte superior sería aquellos que son capaces de hacer grandes cosas, como la comisión de un delito, por ejemplo. Los seres inferiores, entonces, eran los que estaban siempre en el fondo, no siendo capaz de hacer algo realmente importante. La diferenciación entre los seres superiores e inferiores se discutió tres años antes del año de estreno de la película, debido a la Segunda Guerra Mundial.



E Hitchcock, en la película, puede demostrar que, en realidad, no hay seres superiores e inferiores, porque todos estamos sujetos a los mismos errores. Brandon, quien dijo ser superior, descubre que es tan frágil como las personas que consideraba inferiores. Si Hitler hubiera visto esta película antes de iniciar una guerra, todavía podría ser vivo hoy, junto con todos los Judios asesinados en el Holocausto.




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La Mujer del Teniente Francés

Nombre original: The French Lieutenant's Woman

País: Inglaterra

Directora: Karel Reisz

Guión: Harold Pinter

Género: Romance

Duración: 124 minutos

Año: 1981

Particularmente me gustan las películas románticas dirigidas por mujeres. Ellas imprimen una mayor sensibilidad a la historia y hacen algo más similar a la vista del público femenino.

He leído muchos libros y escuchado muchas veces que nosotras, las mujeres, tenemos una tendencia a transformar los gestos insignificantes en pruebas de amor y que nunca terminamos una relación sin después pasar meses disfrutando de la tristeza de un amor perdido. Estoy de acuerdo con esas observaciones, y aún más en el cine.

Las cineastas tienen una preocupación en la mayor riqueza de detalles, lo que las hace capaces de poner el romanticismo en gestos simples de la vida cotidiana. Y Karel Reisz, directora de La mujer del teniente francés, lo ha hecho muy bien.

　

Meryl Streep y Jeremy Irons también ayudaron, por supuesto. La química entre los dos es grande, lo que resultó, más tarde, con que ambos trabajasen juntos en otra película, también como un par (La casa de los espíritus, 1993). Gracias ao excelente desempeño de los actores, La mujer del teniente francés tiene fuertes impresiones de romanticismo en cada escena, lo que dio a Irons y Meryl la nominación a cinco Oscar, incluyendo mejor actriz (Meryl Streep).

　

La película trata sobre dos parejas que viven una pasión en diferentes momentos y circunstancias diferentes. Charles (Irons) y Sarah (Meryl Streep) son dos desconocidos que viven en la época victoriana. Ella es mal vista en la sociedad porque en su pasado había se involucrado con un hombre casado, mientras que Carlos había pedido la mano de otra mujer en el matrimonio. Sin embargo, cuando los dos se encuentran por primera vez, encuentran el amor verdadero que alguna vez pensaron que conocian.

　

La otra pareja son los actores de cine que viven en los años 80. Anna (también interpretada por Meryl Streep) es casada, pero pasa momentos maravillosos con su compañero de trabajo, Mike (también interpretado por Irons), que a su vez está casado con otra mujer. Los dos están enamorados, pero, debido a que eran amantes, se sienten incapaces de llevar adelante esta relación sin antes destruir los lazos que habían construido con otras personas.

　

Adaptado de una novela de John Fowles, La mujer del teniente francés muestra la maduración de una relación con el tiempo. A pesar de estar en una sociedad liberal o en una sociedad llena de normas, la película muestra que el amor supera todas las barreras, siempre que ambas partes están dispuestas a sufrir las consecuencias.

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Roma de Fellini

Nombre original: Roma

País: Italia y Francia

Director: Federico Fellini

Guionista: Bernardino Zapponi

Género: Drama

Duración: 128 minutos

Año: 1972

Para aquellos que - realmente - aman cine, todas las obras de Federico Fellini son imprescindibles. Roma, por ejemplo, dialoga con varios movimientos cinematográficos y charla sobre un tema que todavía está en boga.

Podemos encontrar el neo-realismo italiano en la película, ya que representa la rutina de la vida en la Italia de los años 70.

También podemos identificar la Nouvelle Vague, un movimiento artístico francés, que se caracteriza por la fuga de reglas predeterminadas del cine, lo que causa la creación de una arte nueva, crítica y intranquila con los fracasos de la sociedad.

Me quedé muy impresionada con el desempeño de los actores. Es magnífico. En algunas viejas películas que he visto, me doy cuenta de que el desempeño de los actores es generalmente pobre de expresiones realmente significativas. Sin embargo, Fellini ha logrado encontrar personas que dan vida a su obra a través de sus sonrisas y lágrimas.

Federico Fellini también utiliza la meta-lenguaje para criticar el cine. En una escena, un grupo de personas pide al director para detener la ejecución de la película, porque mostraría todas las cosas malas de Italia, como si no pudiesen haber críticas en la séptima arte.

Después de ver Roma, he cambiado mi idea de buen cine y mal cine. Anteriormente, pensé que la película fue hecha para entretener a la gente, haciéndoles olvidar sus problemas durante dos horas, llevándolos a un mundo de fantasía.

Sin embargo, en su obra, Fellini demuestra que las películas pueden - y deben - ser una herramienta que critica los problemas sociales. Si la situación fuera de otra manera, las películas serían solamente algo que alienaría las personas, haciendo con que el espectador se olvidase de los problemas que aquejan a la humanidad y, por tanto, dejando el mundo a merced de los políticos corruptos y las leyes inhumanas.

En algunas películas que he criticado aquí, recuerdo que cuando me enfrenté a la computadora, yo no tenía mucho de qué hablar. Me sentía frustrada, como se no pudiese realmente hacer una revisión satisfactoria sobre esta arte que tanto amo.

Pero Fellini revivió mis nervios y mi espíritu crítico con Roma, porque cuando empecé a escribir, habían tantas cosas que decir y, aún ahora, me viene a la mente miles de preguntas y posiciones sobre muchas de las películas que he visto y quiero ver.

Igual que la tropicalia brasileña hizo a nuestros oídos, la pintura Guernica hecho a nuestros ojos, la escultura barroca hizo a los edificios en el estado de Minas Gerais (Brasil), la Capoeira hecho a los esclavos, Camões y Shakespeare hicieron al mundo, Fellini también hizo a nuestros sentidos.

Usando la séptima arte, este hombre logró convertir algo que se consideraba fútil en una herramienta que permite al mundo luchar por lo que es bueno y denunciar los males que nos oprimen.

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Toy Story

Nombre original: Toy Story
País: Estados Unidos
Director: John Lasseter
Guionista: Joss Whedon, Andrew Stanton, Joel Cohen, Alec Sokolow
Género: Comedia
Duración: 81 minutos
Año: 1995
　

"Esto no es volar. Esto es caer con estilo.", afirma Buzz, el astronauta de juguete.

La película puede ser resumida en esta línea del guión, que demuestra que lo mejor de la vida se puede encontrar en las cosas que podemos hacer.

　

Al descubrir que no es un verdadero astronauta, Buzz se deprime.

Sin embargo, con la ayuda de Woody, el vaquero de juguete, Buzz descubre que, aunque él no es lo que pensaba que era, él es amado por lo que realmente es.


Esta es el tipo de película que ya no se fabrica en Hollywood.

Hoy, las películas para niños alentan grandes sueños, como viajar por el mundo, tener poderes sobrenaturales o ser un agente de la CIA, cuando deberían alentarlos a se divirtieren con la realidad, que no tiene alas o armas con super poderes, pero la felicidad.

Toy Story es una obra histórica del cine, porque fue la primera animación que se hizo de una manera totalmente digital.

El año pasado, se volvió a publicar en los cines en 3D. Este año, Toy Story tiene una copia en mi memoria y me recuerda los buenos tiempos de mi infancia. En particular, los que yo quería ser una niña para siempre.

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Los incorregibles albóndigas

Nombre original: An Education

País de origen: Canadá

Director: Ivan Reitman

Guionista: Harold Ramis

Género: Comedia

Duración: 92 minutos

Año de lanzamiento: 1979

Le film habla de Tripper Harrison, consejero jefe del Star North Camp. Enérgico y alegre, Tripper conoce Rudy Gerner (Chris Makepeace), un solitario y tímido niño.

Con el tiempo, esta relación beneficia ambos extremos, dando Tripper el coraje de asumir su amor a Roxanne (Kate Lynch) y a Rudy el don de creer más en si mismo.

Es una película intensa, que explora los sentimientos que surgen en la adolescencia y la falta de preocupación que los adolescentes tienen con su vida, lo que hace que predomine el concepto de carpe diem en toda composición de la obra.

La banda sonora prueba esto. "Are You Ready For The Summer" y "It Just Doesn't Matter" son canciones que tratan de los desafíos que adolescentes enfrentan en esta época, especialmente en relación con el placer que ellos desean alcanzar y la lucha incesante para alcanzar lo que quieren y luchar contra sus miedos.

Esta fue la película que lanzó la carrera de Ivan Reitman como director de cine de comedia, y talvez es uno de sus mejores películas. En “Los incorregibles albóndigas”, Reitman hizo un gran trabajo, porque usó algo que conoce bien (comedia) en una fase de la vida que es (normalmente) la más divertida: la adolescencia.
Por curiosidad, Ivan Reitman también dirigió Junior (1994), Cazafantasmas I (1984), Cazafantasmas II (1989), Amor sin escalas (2009) y la película que está haciendo mucho suceso hoy, Amigos com Derechos, protagonizada por Natalie Portman y Ashton Kutcher.

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An Education

Nombre original: An Education

País de origen: UK

Director: Lone Scherfig

Guionista: Nicky Hornby

Duración: 100 minutos

Año de lanzamiento: 2009

Hecho por el aclamado escritor Nicky Hornby, autor de los libros que dieron origen a las películas Alta Fidelidad (2000, Stephen Frears) y Un Niño Grande (2002, Chris Weitz), el guión es una adaptación de una obra literaria escrita por la periodista británica Lynn Barber, donde habla de sus recuerdos.


El reparto es sublime, con las actuaciones de Emma Thompson, Melina Alfred, Peter Saargarsd y la principiante Carey Mulligan. A pesar de sus 23 años de edad, Carey interpreta maravillosamente bien a una niña de 16, con todos los deseos naturales de la adolescencia y el conflicto entre lo que ella deseaba y lo que sus padres querían.


La "educación" que la película explora no se aprende en la universidad, pero intentando cosas nuevas, como tener un romance con un hombre mayor.


Una cosa interesante que me llamó la atención fue que, aun con la enorme diferencia de edad entre Jenny Miller (Carey Mulligan) y David (Peter Saargarsd) - ella tiene 16 años y él tiene unos 30 -, esta cuestión no es tan explorada en la película como pensé que sería.


Los padres de Jenny, por ejemplo, son favorables a la relación, aprobando el romance cuando toman conocimiento del caso.


No hay, en la película, la resistencia natural que la sociedad tiene sobre el tema, lo que hace que la película medios ajenos a su finalidad, que es precisamente abordar la relación entre una menor de edad y un hombre adulto.


No estoy diciendo que la película no habla de ello, porque lo hace. Sin embargo, creo que podría haber ido más lejos.


De hecho, pocas cosas se venden bien en el cine de hoy como un amor imposible o un romance rechazado por la sociedad. A pesar de ser un cliché, el sujeto identifica a las personas con la historia, lo que hace que la película sea un éxito y por lo tanto una de las favoritas en la Academia de Cine.

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